Next Level 2020 - Festival For Games

Die Performer*innen experimentieren mit Live-Interaktionen zwischen Bewegung, Licht, elektronischen Sounds und der menschlichen Stimme und folgen dabei der Vision eines Ökosystems, in dem jedes Element von einem anderen abhängig ist. "Architecture of Friendship" entsteht live vor Ort und lädt das Publikum ein, Teil der Entstehung einer neuen interaktiven Performance dabei zu werden und mit den entwickelten Live-Systemen zu interagieren.

Colin Self: Komposition, Performance, Künstlerische Leitung
Santiago Latorre: Komposition, Performance, Künstlerische Leitung, Live-Technik
Carlos Atabey Maria: Performance, Text, Dramaturgie
Nieves Arilla: Performance
Sara Paniagua: Lichtdesign
Moisés Horta: Realtime Light und Sound Processing
Hans-Jürgen Müller: Technische Leitung

Die Produktion „Architecture of Friendship“ von Colin Self entsteht in Kooperation mit FMN2020 (FRAU MUSICA NOVA). Die Uraufführung findet statt am 18.11.2020 um 19.30 Uhr in der 

. Mit Unterstützung des Etopia Center for Art and Technology in Zaragoza.

Colin Self ist Künstler*in, Komponist*in und Choreograph*in, lebt in Berlin und New York und kreiert Musik- und Performance-Stücke, die sich mit Geschlechteridentitäten und ihrer Rezeption auseinandersetzen. Self arbeitet mit unterschiedlichsten Menschen und Communities, nutzt Stimmen, Körper und Computer als Werkzeuge und lässt sie mit biologischer und technologischer Software interagieren. Self ist Dozent am Clive-Davis-Institut der NYU in Berlin und hat Ihre Arbeiten u.a. an der Niederländischen Nationaloper, am HAU Berlin, im Neuen Museum, in The Kitchen NYC und im Issue Project Room präsentiert. Self ist Mitbegründer:in des queeren NYC-Performance-Kollektivs Chez Deep und The Radical Diva Grant, arbeitet eng mit Holly Herndon zusammen und leitet den internationalen Vokalworkshop XOIR und veröffentlicht Solomusik auf dem experimentellen Plattenlabel RVNG Intl.

Santiago Latorre ist Künstler, Programmierer und Klangingeneur, dessen Forschungen sich auf die Verbindung von elektronischen Klang und dem Organischen konzentrieren. So setzt er sich in seinen Soloalben Órbita (Accretions, 2008) und Eclíptica (Foehn Records, 2011) mit der Sonifizierung des menschlichen Genoms auseinander, wie auch in der Performance „A Pie De Cama“ - eine Sammlung von A-cappella-Liedern, die direkt in das Ohr von im Bett liegenden Menschen gesungen werden. Er hat an verschiedenen Tanz-, Kunst-, Mode- und Filmprojekten gearbeitet, die u.a. im Tate Modern (London), der Quanta Arts Foundation (Taipeh) und der Fundació Antoni Tàpies (Barcelona) präsentiert wurden. Latorre kuratiert FUGA in Saragossa, Spanien, ein Artist in Residency-Programm, sowie eine Ausstellungsplattform und Begegnungort für Künstler*innen, Kreative und Kollektive,, die aus verschiedenen Blickwinkeln der Musik, Kunst und Technologie mit Klang als Werkzeug arbeiten.

Carlos Maria Romero (alias Atabey Mamasita) ist eine kolumbianische multidisziplinäre Künstler*in aus der Karibik, deren Hintergrund in Tanz, Live-Kunst, Pädagogik, Erbe und architektonischem Aktivismus und Kulturtechnik liegt. Sie ist Gründungsmitglied von SPIT! - Sodomites, Perverts, Inverts Together!, der seit 2017 eine Reihe queerer Manifeste aufgeführt hat, und Vividero Colectivo, dessen Projekte darauf abzielen, marginalisierte soziale Praktiken und architektonische Stätten als kulturelles Erbe zurückzugewinnen. Maria Romeros jüngste Aufführungen HQ - (I Feel so Mezzaniney), eine Zusammenarbeit mit Steven Warwick, und die Reihe Muy Serio wurden unter anderem im Museo de Arte Moderno de Medellín, an der Volksbühne Berlin, beim London Contemporary Music Festival, in Kettle's Yard in Cambridge, im Jupiter Artland in Edinburg und in Montréal, Arts Interculturels, präsentiert. Gegenwärtig ist Maria Romero Postgraduiertenstudent*in an der Royal Academy of Arts in London.

Nieves Arilla ist Sängerin und Komponistin. Seit über 15 Jahre tritt sie in Konzerten spanischer Künstler wie Javier Álvarez, Pablo Guerrero, Diego Vasallo oder Jabier Muguruza auf.. Sie war Teil des Kabarett-Projekts Las Maris mit Javier Álvarez und der Popsong-Gruppe Facunda. Darüber hinaus komponiert sie Musik für audiovisuelle Projekte, Installationen und Kurzfilme u.a. von Amanda Pola, Yann-Loïc Lambert und Pilar Gutiérrez. Gegenwärtig ist arbeitet sie gemeinsam mit Santiago Latorre in dem Projekt A Pie De Cama.

Architecture of Friendship ist ein neues Projekt des Künstlerduos Colin Self
und Santiago Latorre, die gemeinsam mit Carlos Maria Romero alias Atabey Mamasita und Nieves Arilla die Halle 5 in ein Forschungsstudio für audiovisuelle Real-Time-Manipulationen verwandeln.

Interaktive Klangkunst: Colin Self & Santiago Latorre

Künstler*in, Komponist*in und Choreograph*in

Colin Self ist Künstler*in, Komponist*in und Choreograph*in, lebt in Berlin und New York und kreiert Musik- und Performance-Stücke, die sich mit Geschlechteridentitäten und ihrer Rezeption auseinandersetzen. Self arbeitet mit unterschiedlichsten Menschen und Communities, nutzt Stimmen, Körper und Computer als Werkzeuge und lässt sie mit biologischer und technologischer Software interagieren. Self ist Dozent am Clive-Davis-Institut der NYU in Berlin und hat Ihre Arbeiten u.a. an der
Niederländischen Nationaloper, am HAU Berlin, im Neuen Museum, in The Kitchen NYC und im Issue Project Room präsentiert. Self ist Mitbegründer*in des queeren NYC-Performance-Kollektivs Chez Deep und The Radical Diva Grant, arbeitet eng mit Holly Herndon zusammen und leitet den internationalen Vokalworkshop XOIR und veröffentlicht Solomusik auf dem experimentellen Plattenlabel RVNG Intl.

In of course i still love you loss of signal wird das Publikum auf einen Raumschifftrip ohne Mission mitgenommen: Die Performance setzt an, nachdem der Funkkontakt zum Ground Control schon längst abgebrochen ist. Die Raumstation bewegt sich als eigener kleiner Mikrokosmos völlig ziellos durch Zeit und Raum, doch der Kontrollraum sendet noch: Ein lebender Golden Record, eine Art Radiostation ohne Hörerschaft – wenn schon alleine, dann wenigstens mit Drones und Synthesizern. Durch interaktive Klangkörper, ein selbstgebautes Sci-Fi-Orchester und vor allem musikalische Live-Improvisation kann das Publikum das Raumschiff erkunden und mit seiner Besatzung in Kontakt treten.

Die drei Mitglieder von the paranormal φeer group (Jakob Boeckh & Maria Huber & Ole Hübner) lernten sich während ihres gemeinsamen Studiums am Gießener Institut für Angewandte Theaterwissenschaft kennen und gestalten seitdem als künstlerisch-wissenschaftliches Kollektiv gemeinsam Musiktheater und Diskurs. Beides begreifen sie als untrennbar miteinander verwobene Strategien mit politischem, queerem und utopischem Anspruch. Sie treten als Trio sowie in diversen Konstellationen mit Kollaborator*innen wie der der Regisseurin Friederike Blum, dem* Performer* Neo Hülcker, dem Szenographen Tassilo Tesche oder der Performerin Lea König in Erscheinung. 

Für jedes Projekt entwickeln sie individuelle Arbeitsstrategien, die sich oft aus Philosophie, Theorie und Literatur speisen und ihre treibende Kraft stets aus dem Auflösen, Verschmelzen und Rotieren konventioneller Rollenzuschreibungen – Komposition, Dramaturgie, Szenographie, Regie usw. – gewinnen. Als Team funktionieren sie radikal diskursiv, hierarchielos und basisdemokratisch, wobei sie alle Parameter einer künstlerischen Arbeit als gleichberechtigt und in reziproker Beeinflussung begriffen verstehen. 

Aktuelle Projekte umfassen die Lecture-Performance Staying Broken in Zusammenarbeit mit dem* Composer*/Performer* Neo Hülcker (Festival für immaterielle Kunst, Elbphilharmonie Hamburg, September 2020) sowie den ersten Teil des Musiktheaterprojects of course i still love you loss of signal (Next Level Festival, PACT Zollverein Essen, November 2020).

of course i still love you loss of signal erarbeitet the paranormal φeer group zusammen mit der Performancekünstlerin Amélie Haller, der Performerin und Komponistin Julia Mihály, dem Akkordeonisten und Jazz-Pianisten Julius Schepansky und dem Schlagzeuger und Klangerfinder Miguel Ángel García Martín.  | www.instagram.com/paranormal.phi

In der Performance wird das Publikum auf einen Raumschifftrip ohne Mission mitgenommen: Die Performance setzt an, nachdem der Funkkontakt zum Ground Control schon längst abgebrochen ist. 

Im Weltraum ohne Mission: Sci-Fi-Musikperformance

Künstlerisch-wissenschaftliches Kollektiv

Die drei Mitglieder von the paranormal φeer group (Jakob Boeckh & Maria Huber & Ole Hübner) lernten sich während ihres gemeinsamen Studiums am Gießener Institut für Angewandte Theaterwissenschaft kennen und gestalten seitdem als künstlerisch-wissenschaftliches Kollektiv gemeinsam Musiktheater und Diskurs. Beides begreifen sie als untrennbar miteinander verwobene Strategien mit politischem, queerem und utopischem Anspruch. Sie treten als Trio sowie in diversen Konstellationen mit Kollaborator*innen wie der der Regisseurin Friederike Blum, dem* Performer* Neo Hülcker, dem Szenographen Tassilo Tesche oder der Performerin Lea König in Erscheinung. Für jedes Projekt entwickeln sie individuelle Arbeitsstrategien, die sich oft aus Philosophie, Theorie und Literatur speisen und ihre treibende Kraft stets aus dem Auflösen, Verschmelzen und Rotieren konventioneller Rollenzuschreibungen – Komposition, Dramaturgie, Szenographie, Regie usw. – gewinnen. Als Team funktionieren sie radikal diskursiv, hierarchielos und basisdemokratisch, wobei sie alle Parameter einer künstlerischen Arbeit als gleichberechtigt und in reziproker Beeinflussung begriffen verstehen. Aktuelle Projekte umfassen die Lecture-Performance Staying Broken in Zusammenarbeit mit dem* Composer*/Performer* Neo Hülcker (Festival für immaterielle Kunst, Elbphilharmonie Hamburg, September 2020) sowie den ersten Teil des Musiktheaterprojects of course i still love you loss of signal (Next Level Festival, PACT Zollverein Essen, November 2020).

https://www.nicolas-berge.de/nextlevelvideowalk

Per Tablet und Kopfhörer wird das Publikum über das Gelände des Zollvereins geführt und durchlebt dabei in ständigem Abgleich von vorproduziertem Audio-/Videomaterial mit der Realität/Liveperformance die Verschmelzung beider Ebenen.

Video-Walk mit Lucia Kilger & Nicolas Berge 

Als Komponist und Musiker arbeitet Nicolas Berge in dem Spannungsfeld zwischen Musik in Verbindung mit Elektronik und anderen künstlerischen Disziplinen. Fragestellungen ergeben sich dabei vor allem aus der Beschäftigung mit dem digitalen Raum und Schnittstellen zum Analogen. So entstehen Kompositionen und transdisziplinäre Stücke in Zusammenarbeit mit MusikerInnen, bildenden KünstlerInnen und TänzerInnen. Sein Interesse gilt dabei nicht nur den Stücken selbst, sondern auch ihrer Kontextualisierung, was ihn immer wieder zur Entwicklung und Erprobung alternativer Konzertformate und Aufführungsorte führt.  Derzeit studiert Nicolas an der Hochschule für Musik und Tanz Köln in der Kompositionsklasse von Prof. Michael Beil. 2017 schloss er sein Klavierstudium bei Prof. Sheila Arnold und Prof. Paulo Álvares ab, im Laufe dessen er sich zunehmend auf Neue Musik und interdisziplinäre Kooperationen spezialisierte. Als Komponist und Pianist war er an Festivals wie dem Acht Brücken Festival Köln oder dem next_generation Festival des ZKM in Karlsruhe beteiligt und arbeitete mit KünstlerInnen wie dem Pina Bausch Tanztheater Wuppertal oder dem Ensemble Musikfabrik zusammen.

Komponistin, Multimediakünstlerin und Klangregisseurin

Intermedialität bildet für Lucia Kilger die Schnittstelle ihrer Auseinandersetzung mit einem Kompositionsbegriff, den sie sowohl auf seine performativen, rezeptiven wie auch medialen Qualitäten hin untersucht. Eine Berufsausbildung mit Auszeichnung zur Mediengestalterin Bild und Ton und die Tätigkeit als Bild- und Tontechnikerin im Live-Broadcasting, am Theater und an Filmsets schafften Lucia Kilger eine Grundlage für den künstlerischen Umgang mit Musik, Elektronik und Medialität. An der Staatlichen Hochschule für Musik in Trossingen nahm sie das Bachelorstudium Musikdesign auf und absolvierte das dazugehörende Praxissemester im EXPERIMENTALSTUDIO des SWR in Freiburg. Den Masterstudiengang Elektronische Komposition schloss sie bei Michael Beil an der Hochschule für Musik und Tanz in Köln ab. Als Klangregie-Stipendiatin der International Ensemble Modern Akademie erhielt sie den Master in Zeitgenössischer Musik an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main. Sie ist als Komponistin, Multimediakünstlerin und Klangregisseurin tätig und legt ihren Arbeitsschwerpunkt auf spartenübergreifende Projekte im Team mit anderen Künstler*innen.

Videowalk mit Lucia Kilger & Nicolas Berge

Schon lange befinden wir uns in der Zukunft und (re)produzieren diese fortlaufend in jedem Moment. Der enge Zeit- und Handlungskorridor zwischen der von der einen Seite heranwachsenden Vergangenheit und auf der anderen Seite voranschreitenden Zukunft erfordert laufend hohe Prozess- und Reaktionszeiten – im Versuch, hinreichend gute Resultate zu erzielen. Dabei komprimieren die von uns in Echtzeit (re)produzierten Resultate individuelle, kollektive und globale Perspektiven auf vergangene Gegenwarten. Ja, es war und ist nicht einfach.

Mit der performativen Installation Why Not? Remember The Future nähert sich das neunzehnköpfige 

 möglichen Ausschnitten angehaltener Gegenwarten und legt die darin individuell und kollektiv laufenden Prozesse offen. Welche Verläufe diese gehabt haben werden, wird von individuellen Perspektiven und Entscheidungen sowie möglicherweise kollektiv getroffenen Vereinbarungen bestimmt werden. Sie überschneiden und kreuzen sich schon immer und immer wieder zeitlich, historisch und/oder emotional, wenn wir es zulassen.

Das Erzielen hinreichend guter Resultate wird dabei nicht vorausgesetzt, bleibt jedoch möglich.

Von: Guy Dermosessian, Alexander Hügel, O. Hyunsin Kim, David Guy Kono, Kioomars Musayyebi, Rasmus Nordholt-Frieling, Sebastian Richau, Nona Siepmann, Romy Schmidt, Muhammad Tamim, Bijan Tavili, Aleksandar Todorovic, Ozan Tekin, Yung-Ju Tsai und dem Studio Kolorit

Eine Koproduktion vom Festival Next Level, dem Theater im Pumpenhaus, Münster und dem Schauspielhaus Bochum. Mit freundlicher Unterstützung von Abacus Electronics und MMT Veranstaltungstechnik.

Performative Installation und Konzert: Eine Koproduktion vom Festival Next Level, dem Theater im Pumpenhaus, Münster und dem Schauspielhaus Bochum.

Performance & Konzert mit WHY NOT?

Zwischen Musik, Tanz und Medienkunst – zwischen Vergangenheit und Gegenwart - entspinnt WHY NOT? neue globale Netze und überschreibt alte Systeme.

Seit seiner Gründung Sommer 2018 widmet sich das Kollektiv WHY NOT? in verschiedenen Formaten und Produktionen den zentralen Themen und Fragen um Sichtbarkeit und Repräsentation in den darstellenden Künsten. 

In immer wechselnder Konstellation von Perfomer*innen, Tänzer*innen, Musiker*innen, Komponist*innen und Medienkünstler*innen entstehen hybride mediale, performative und musikalische Arbeiten, die dem Publikum multiple und vielschichtige Perspektiven auf eine komplexe globale Gegenwart bieten.

Prozessorientierte, intermediale Musikdarbietungen, die nicht als "repräsentative Werke" aufgeführt werden, sondern den Gedanken der künstlerischen Produktion, der künstlerischen Forschung und der offenen Gemeinschaft praktizieren. Einbeziehung des Publikums durch Interaktivität und Einbeziehung des Publikums in die Produktionsprozesse, so dass es sich in das entstehende Werk einschreibt. Kuratiert von der Komponistin Brigitta Muntendorf. 

Performance

ImmersiveCast

Hologramme kennt man aus Science-Fiction-Filmen. Mit Hilfe eines pulsierenden Screens, auf dem Inhalte als Hologramme abgebildet werden, holt der VX1 historische Video-Spiele wie Snake & Co. in eine futuristische Form. Voxon Photonics hat dazu eines der fortschrittlichsten volumetrischen 3D-Display der Welt entwickelt.

Hologramm-Gaming mit Voxon

Big Brother ist da - und Du bist es! Untersuche das Leben von Bürger*innen, um die Verantwortlichen für eine Reihe von Terroranschlägen zu finden. Informationen aus dem Internet, persönliche Mitteilungen und private Dateien sind für dich zugänglich. Aber sei gewarnt, die Informationen, die du lieferst, werden Konsequenzen haben.

Orwell

Democracy ist ein Regierungs-Simulationsspiel, das erstmals 2005 vom britischen Indie-Studio Positech Games entwickelt wurde. Im vierten und neusten Teil der Reihe, die im Herbst 2020 erscheint, spielt man den Präsident oder die Bundeskanzlerin einer demokratischen Regierung. 

Democracy4

Bei Liberated schlüpfen Spieler*innen in die Rolle verschiedener Charaktere: 
Im Vordergrund steht die Frage, wie die Freiheit der Gesellschaft zurückerlangt werden kann – und zu welchem Preis.

Liberated

Tejo

Draw

Watch Dogs: Legion

Occupy Mars ist ein hoch technisches, weltoffenes Sandkastenspiel über die Marskolonisation. Baue und verbessere deine Basis, entdecke neue erstaunliche Regionen, führe Bergbauoperationen durch, hole Wasser und erzeuge Sauerstoff, baue Getreide an, repariere kaputte Teile, lerne, wie man auf dem Mars überlebt!

Occupy Mars

Simon Denny wird die Themen Extraktionen, Technologie, Verantwortlichkeit und Klima durch eine Minecraft-In-Game-Tour seiner letzten Ausstellung MINE präsentieren, die derzeit gleichzeitig im K21 in Düsseldorf und auf der Minecraft-Plattform zu sehen ist. 

Künstlerische Spielewelten: Kunst in Minecraft

Digitale Technik sei jedoch mit Bedacht einzusetzen, sagt Meyer: Sie könne einerseits zur „Dekarbonisierung“ beitragen, also der starken Verringerung des CO2-Ausstoßes, und somit nachhaltigen Mehrwert erzeugen. 

Über Ökologie & Digitalität

Aufgrund der globalen Pandemie wird die digitale Welt zum sicheren Raum für Begegnung, Austausch und Zusammenarbeit. Was ist die neue Realität? Schlendern wir in einem Park draußen, ähnlich wie wir im Internet surfen? Die AR-Schatzsuche "Die neue Natur" ist ein physischer Spaziergang durch einen digitalen Garten: Man konzentriert sich, bewegt sich, sammelt 3D-Objekte und erkundet das Neue. Die Künstlerin Nadine Kolodziey arbeitete mit Scavengar bei ihrem AR-Spaziergang zusammen und kombinierte Storytelling, Gaming und Meditation/Motivation zu einer neuen AR-Erfahrung.

Ein AR-Game zum Corona-Lockdown

THE AGENCY untersucht Leihmutterschaft als ambivalentes Phänomen: Ist die Leihmutter als Figur dazu prädestiniert, Reproduktionsarbeit als Arbeit zu markieren? 

AshramMommies: Eine VR-Performance von THE AGENCY

Von #solidarityisforwhitewomen bis #MeToo bietet die Spielkultur eine interessante Fallstudie, um die Erfahrungen von Frauen in den vermittelten Räumen des Spielens zu erforschen. Kishonna Gray wird in ihrem Vortrag untersuchen, was es bedeutet, eine Frau im Spiel zu sein, und wie feministische Beiträge zum Spiel aussehen können.

Black Streamers Changing the Game

Mit den AR-Installationen Unexpected Growth and Evolution of Fish des Künstlerduos Tamiko Thiel und /p bringt der virtuelle Sponge Space Ihren Müll zu Ihnen zurück und gibt Ihnen eine Vorstellung davon, wie es sich für Meeresbewohner anfühlt, jeden Tag mit Ihrem Plastikmüll leben zu müssen.

Evolution der Fische: Abtauchen in den Plastikmüll

In seinem Vortrag stellt der Designer und Künstler Georg Hobmeier ausgewählte "dokumentarische Spiele" vor, mit besonderem Schwerpunkt auf die Rohstoffindustrien. Keine Sorge: es wird weniger trocken, als es sich anhört. 

Über Dokumentarfilme und die Rohstoffindustrie

Nachdem alles zu Ende war, fing alles an. MengXuan schließt das Festival mit einer Selbstvorstellung als Avatar ab. Es folgt eine Live-Präsentation ihres neuesten Stücks "Taì Chū 3030" - eine digitale Seele nach dem Tod. 